• MONTPELLIER – scénographie planet océan #projetpro #K21 #DESIGNDESPACE

    Série culte du blog, instructive et informative, surtout pour les futurs étudiants en 3ème année, je te propose de découvrir quelques-uns des projets professionnels pour cette année 2021, que nos étudiants ont réalisés et présentés lors des oraux de fin d’année en Bachelor.

    Je commence avec Océane en Design d’Espace et son projet sur une scénographie pour le hall d’entrée et
    la boutique de l’aquarium de Montpellier.

    Mais avant, qu’est-ce que le design d’espace ?

     

    DESIGN D’ESPACE

    Le Bachelor en Design d’Espace à l’ESMA, forme des concepteurs d’espaces.
    Apprendre à concevoir des réalisations pérennes ou éphémères,
    aménager des lieux de vie intérieurs comme extérieurs, privés comme publics.
    Une formation, à la fois artistique et technique, qui pourra ensuite ouvrir les portes de l’architecture.

    Les étudiants qui choisissent cette voie, sont entre autres, formés au métier
    de l’aménagement de l’espace, de l’architecture, des techniques de construction et de la scénographie

    Les deux années d’études en Bachelor Design d’Espace se concluent par le passage en Mastère après l’obtention de l’examen de fin d’année.
    Les étudiants réalisent un projet professionnel, qu’ils devront présenter lors d’un oral à l’examen.
    Il permet de mettre en pratique leurs compétences et de montrer leur capacité à s’investir
    et réaliser un projet réel dans sa totalité.

     

    PROJET DE SYNTHÈSE DESIGN D’ESPACE
    UNE PLONGÉE AU COEUR DES ABYSSES
    PRÉSENTATION DU PROJET ET ATTENTE

    Planet Océan Montpellier est un complexe rassemblant un aquarium et un planétarium, situé dans la zone ludique d’Odysséum à Montpellier. Montpellier Méditerranée Métropole est le propriétaire des lieux.

    L’aquarium souhaite une scénographie permanente pour le hall d’entrée et la boutique, afin de renouveler et de moderniser le lieu. Et ainsi, augmenter le nombre d’entrées qui a manqué pendant les confinements.

    Le but est d’accueillir les visiteurs avec des accès PMR (personnes à mobilités réduites), de créer une file d’attente jusqu’aux 2 banques d’accueil et 1 accès en hauteur pour la suite de la visite.
    Pour la fin de la visite, il faut accueillir les visiteurs dans la boutique jusqu’à la sortie, avec 1 ou 2 postes
    de caisse, des espaces de rangement pour les articles de toutes sortes (peluches, mug, stylos, souvenirs, …)
    et un espace de stockage.

    L’IMMERSION PAR LES SENS 

    Comment immerger les visiteurs dans un univers en lien avec ce qu’ils vont découvrir à l’intérieur de l’aquarium et en même temps très différent ?

    La scénographie, réalisée pour le Hall de l’aquarium Planet Océan Montpellier, propose
    une plongée fabuleuse dans les profondeurs abyssales. Les visiteurs sont immergés dans une ambiance sombre, éclairés seulement par la bioluminescence de micro-organismes.
    L’immersion est totale grâce à un travail sur les sens : visuel, auditif (Sound Design), toucher et odorat (dispositif diffusant une odeur iodée).

    Afin d’attirer les visiteurs, à l’extérieur, une entrée signale a été créée, comme une vague qui viendrait
    nous envelopper et nous attirer vers le fond de l’océan
    .
    Cette structure est composée de plusieurs arches, qui diminuent au fur et à mesure comme un entonnoir.
    Afin de résister aux sollicitations extérieures diverses (eau, gel, soleil…), elle est proposée en acier et recouverte d’une laque polyuréthane.

    Scrute la nature, c’est là qu’est ton futur.

    Léonard de Vinci

     

    La scénographie intérieure, propose une atmosphère sombre afin d’immerger les visiteurs
    dans les profondeurs et de faire appel à leurs sens.

    Pour être complètement en accord avec l’environnement, les luminaires ont été créés avec Glowee,
    un système d’éclairage bioluminescent permettant de réduire l’impact environnemental de la lumière, d’économiser les ressources naturelles limitées et de limiter la pollution due à la consommation.
    Glowee est une start-up française en développement, qui au travers de produits, diffuse cette nouvelle typologie de lumière.
    Une lumière vivante, biologique, liquide et respectueuse de la biodiversité, produite à partir de souches
    de bactéries marines luminescentes
    .

    La bioluminescence est la production et l’émission de lumière par certains organismes vivants
    comme les lucioles ou les vers luisants. Glowee développe une matière première vivante faite de bactéries marines naturellement bioluminescentes et facilement cultivables à l’infini en laboratoire.
    Les luminaires -en phase de prototype- agiront comme des aquariums où les micro-organismes seront plongés dans une eau de mer indispensable à leur nutrition et seront alimentés par un flux d’air. 
    Celui-ci permet la réaction chimique qui émet une lumière douce, froide et bleutée.
    Ces micro-organismes se reproduisent à l’infini et sont entièrement biosourcés.

    Grâce à cette combinaison, la scénographie plonge en douceur les visiteurs dès leur arrivée et les embarque vers l’entrée de l’aquarium. Ils émergeront de leur visite, dans cette même atmosphère apaisante côté boutique et repartiront avec des souvenirs magiques !

    INTERVIEW
    POURQUOI AVOIR CHOISI CE PROJET ?

    J’ai souhaité associer deux coups de cœur : la scénographique, car c’est un domaine qui me passionne
    et qui m’attire pour mon futur professionnel et l’océan qui me fascine par sa beauté et les mystères
    de ses profondeurs.
    J’ai choisi pour mon projet l’aquarium de Montpellier, car je le connais très bien. C’est un lieu qui me permet de m’évader. 

     

    POURQUOI AVOIR CHOISI CES ÉTUDES ?

    Tout simplement parce que j’aime créer et aménager des espaces autant du côté artistique que technique.
    Le Bachelor, m’a enseigné une méthodologie de travail, de création et un savoir-faire ; confronter différentes pistes créatives, expérimenter mes recherches et aller plus loin. Il m’a beaucoup appris en informatique,
    avec la suite Adobe et les logiciels 3D.

     

    POUR TOI, QUELS SONT LES AVANTAGES ET LES INCONVÉNIENTS
    DE CE MÉTIER ?

    Les avantages du métier sont que chaque projet est différent de par son client, sa création, ses contraintes et ses rencontres. Les inconvénients vont être liés au budget souvent limité par rapport au champ des possibles, mais c’est le but d’un défi à relever (avantage) !

     

    LA SUITE APRÈS L’OBTENTION DE TON BACHELOR ?

    À la rentrée, je rentre en DPEA Architecture et Scénographie à l’école d’architecture de Montpellier.
    La suite d’un cursus, qui me permettra d’intégrer une agence de scénographie est de concevoir et de réaliser des décors pour des parcs d’attractions, des musées, au cinéma ou pour l’événementiel.

     

    Merci Océane pour ce projet harmonieux, lumineux et éco-responsable ^^
    Bonne continuation !

  • TOULOUSE – ORCHESTRE SYMPHONIQUE ÉTUDIANT #K21 #DESIGNGRAPHIQUE

    Série culte du blog, instructive et informative, surtout pour les futurs étudiants en 3ème année, je te propose de découvrir quelques-uns des projets professionnels pour cette année 2021, que nos étudiants ont réalisés et présentés lors des oraux de fin d’année en Bachelor.

    Marie-Clémence Bourgeois nous présente son projet autour de l’identité visuelle de L’Orchestre Symphonique Étudiant de Toulouse.

    Mais avant, qu’est-ce que le design graphique ?

     

    DESIGN GRAPHIQUE

    Le Bachelor Design Graphique à l’ESMA apporte tous les outils nécessaires pour apprendre à travailler
    sur tous types de supports de communication, coordonner les étapes de réalisation d’un produit de design graphique ou d’une identité visuelle, à partir d’une commande.

    Concevoir un site web, réaliser une campagne publicitaire ou créer une charte graphique sont quelques-unes des compétences acquises dans le cadre du Bachelor Design Graphique.

    Le Bachelor offre de multiples possibilités, un large panel de carrières :
    Designer graphique, Directeur artistique, Illustrateur graphiste, Web designer, Graphiste freelance

    Les deux années d’études du Bachelor Design Graphique se concluent par le passage en Mastère,
    Design & Stratégie Digitale ou Motion Graphics Designaprès l’obtention de l’examen de fin d’année.
    Les étudiants réalisent un projet professionnel, qu’ils devront présenter lors d’un oral à l’examen.
    Il permet de mettre en pratique leurs compétences et de montrer leur capacité à s’investir et réaliser
    une campagne dans sa totalité.

    PROJET PROFESSIONNEL EN DESIGN GRAPHIQUE
    ACTUALISER UNE JEUNE ASSOCIATION EXPRESSIVE !
    PRÉSENTATION DU PROJET ET ANALYSE

    L’Orchestre Symphonique Étudiant de Toulouse se donne pour mission de permettre aux élèves
    du supérieur de poursuivre leur pratique et apprentissage musical
    d’ensemble au sein d’une formation ambitieuse, et de promouvoir le plus largement possible la musique classique auprès de la communauté universitaire.
    Ainsi des étudiants de cursus, d’âges, et de nationalités très différents se retrouvent réunis autour
    d’une même passion et d’une activité artistique intense
    .

    Là où pourraient rentrer en conflit certains étudiants par la concurrence de leurs facultés,
    l’orchestre les rassemble en une grande famille.

    Cet orchestre bien connu de Toulouse connaît une communication trop désuée pour son cadre jeune et dynamique, elle manque cruellement de fraîcheur, toujours dans cette austérité que peuvent offrir
    la communication d’orchestres peu connus, n’amenant pas un jeune public à leurs concerts, où la musique classique peut restée perçue comme déclassée, vieille, seulement visée pour les plus anciens.
    De ce constat, une refonte de l’identité visuelle est nécessaire ainsi qu’une animation de celui-ci
    sur les réseaux sociaux ou autre(vidéos Youtube,…), de même que des déclinaisons d’affiches,
    présentes dans les rues de Toulouse.

    LA MUSIQUE GRAPHIQUE

    Comment promouvoir l’orchestre et ses concerts auprès du public étudiant alors qu’elle est peu connue
    et que son image peut être associée aux préjugés sur la musique classique ?

    Et s’il était possible de représenter graphiquement la musique ?
    Entre les nuances, le tempo et les différentes familles d’instruments (cordes, vents et percussions),
    l’on peut créer une infinité de formes possibles et inimaginables.
    L’épaisseur du trait pour monter en crescendo, ou le trait plus fin ou plus petit pour un decrescendo.
    Ainsi, j’ai déployé plusieurs formes de ce qu’un son produit par différent instrument de chaque famille pouvait ressortir.
    A partir d’un répertoire mis en place, j’ai pu réaliser ces formes pour retranscrire graphiquement la musique.
    Une multitude de possibilités graphiques est présente : la sinusoïde pour les cordes, le bruit pour
    les percussions et le dégradé pour les vents comme le souffle donné dans l’instrument.

    Le logo typographique joue avec l’épaisseur des traits pour rappeler les nuances d’un son produit
    lors d’un concert. Le logo s’anime sur l’accord des instruments sur la note du «la» donné par le hautbois avant de commencer un concert.
    Il permet de mettre les spectateurs dans l’ambiance du concert et se préparer à écouter.

    Tout de suite, on pense facilement à Muller-Brockmann ou Reid Miles qui ont su donner du rythme
    et une musicalité aux affiches de concerts ou pochettes d’albums. Mais c’est surtout dans le livre «Notations» de John Cage à la recherche d’une forme musicale qui prend vie, que j’ai développé ces formes graphiques.

    Les affiches reprennent les formes graphiques des instruments entendus lors des morceaux les plus connus des compositeurs indiqués sur l’affiche.
    Pour Beethoven, compositeur classique, la 5ème symphonie garde sa violence avec la couleur rouge associée. 
    Haendel, compositeur baroque, tient un registre solennel dans sa Sarabande où les percussions résonnent sur les vibratos des violons.
    La pavane de Fauré, dans la période romantique, débute par le pizzicato des cordes où quatre instruments à vents jouent une même mélodie en décalé. 

    INTERVIEW
    POURQUOI AVOIR CHOISI CE PROJET ?

    Pour un dernier projet de Bachelor, c’est un annonceur qui me tenait à cœur. Puisque jouant moi-même
    du violon depuis seize années, travailler sur la refonte du logo d’un jeune orchestre, est pour moi,
    l’objet de mettre à profit le lien entre la musique et le graphisme.

     

    COMMENT S’EST PASSÉ LA COLLABORATION AVEC L’ANNONCEUR ?

    L’orchestre composée essentiellement d’étudiants, la présidente de l’association, elle-même encore étudiante, a été d’une grande aide pour répondre aux questions et ainsi arriver à résoudre ce problème
    de communication.
    Entre mails et appels téléphoniques, je souhaitais aussi participer aux répétitions, mais cela a été trop compliqué à cause du covid… Je peux malgré tout revenir aux répétitions, pour venir les rencontrer
    même après ce projet terminé et pourquoi jouer avec eux ?!

     

    POURQUOI AVOIR CHOISI CES ÉTUDES ?

    Depuis toute petite, je gribouille partout commençant par l’illustration de petits livres que j’écrivais
    en passant par un concours de bande dessinée en créant un personnage iconique; je voulais continuer
    le dessin et j’ai découvert le design graphique après avoir fait une Manaa à l’ESMA.
    Le design graphique répond à un problème de communication pour attirer le public visé;

    c’est pour moi un peu comme une enquête policière
    où j’expérimente à fond pour trouver la meilleure
    solution graphique.
     

     

    QUELLES COMPÉTENCES AS-TU ACQUIS AU COURS DE TES ÉTUDES ?

    J’ai appris à creuser plus profond chaque sujet, en m’alimentant sans cesse de références, à passer
    par tous les chemins où chaque mot du brainstorming avait son importance.
    Tant que je ne pense pas arriver à terme à une solution, je continue encore et encore à chercher pour trouver LA réponse graphique où le public serait le plus conquis.

     

    POUR TOI, QUELS SONT LES AVANTAGES ET LES INCONVÉNIENTS
    DE CE MÉTIER ?

    Les avantages de ce métier seraient de vivre une véritable passion quand l’annonceur nous plaît,
    ce n’est plus un travail mais vraiment un plaisir de répondre à un problème, de plus, dans ce métier.
    On ne fait jamais la même chose, on découvre encore plus tous les jours, on rencontre des personnes
    qui nous enrichissent et contribuent à une véritable évolution dans le graphisme.

    Les inconvénients seraient peut-être de ne jamais perdre le fil, de rester en veille continuellement,
    de persévérer sans cesse alors que l’inspiration ne vient plus.

     

    LA SUITE APRÈS L’OBTENTION DE TON BACHELOR ?

    Je reprends une deuxième année en DNA aux Beaux-Arts de Caen pour développer ma pratique plastique personnelle et continuer principalement dans le print.

     

    TES PROJETS PERSONNELS/PRO À VENIR ?

    J’ai un faible pour les procédés d’impressions après avoir fait un stage dans une imprimerie letterpress
    aux anciennes imprimantes
    , j’ai découvert aussi la linogravure, la risographie lors d’un atelier hors de l’école, mais mon stage de fin d’année chez une illustratrice faisant aussi de la sérigraphie m’a littéralement comblé, c’est pour cela que les ateliers des Beaux-Arts permettront de pratiquer davantage manuellement.

     

    Merci MC pour ce projet qui donne une musicalité visuelle toute nouvelle à l’orchestre.
    Bonne continuation !

  • Podcasts culturels #1

    Inconditionnels de podcasts, impossible de passer à côté et quoi de mieux que les vacances pour t’y mettre ! Perso, je l’apprécie dans mes oreilles en marchant ou pendant que je cuisine, mais pourquoi pas à l’ombre d’un parasol sur un transat !!!

    Un podcast, c’est quoi ?
    Le mot vient de la contraction des termes iPod (le baladeur d’Apple) et broadcast (émission).
    Aux Etats-Unis, la tendance des podcasts a commencé il y a une dizaine d’années.
    Les podcasts se retrouvent à travers des plateformes comme iTunes, Spotify ou sur leurs sites.
    À chaque podcast son sujet, plus ou moins précis.

    Je te propose une sélection culturelle autour de l’art; design, cinéma, musique et autres,
    qu’il te faut absolument écouter.

    L’ART EST LA MATIÈRE

    « Il faut toujours faire la différence entre ce que désigne une chose et l’idée que l’on a
    de cette chose ». 
    René Magritte

    France Culture propose un large éventail d’émissions culturelles.
    Pour les amateurs d’art, Jean de Loisy invite dans « l’art est la matière » des écrivains, historiens, commissaires d’exposition ou simples passionnés à discuter d’un sujet d’actualité, d’un thème comme « la puissance de l’hypnose dans la création », d’une œuvre avec Guernica, d’un artiste en particulier avec
    Egon Schiele et l’homme qui « peignait la lumière des corps » ou encore un hommage avec « une visite avec Christian Boltanski ».
    Jean de Loisy célèbre la vision des regardeurs.

    TED TALKS ART

    Le podcast, c’est surtout du son mais ça peut être également de la vidéo.
    TED est une association à but non lucratif dévouée aux Idées à Partager.
    La plateforme a ses propres podcasts autour de la culture, de l’économie ou du business,
    mais aussi
    autour de l’art, avec TEDTalks Art.
    On y retrouve les discours sous-titrées en français de poètes, artistes, designers, photographes qui évoquent leur travail et leur point de vue.

    Mais ce que je préfère, ce sont les conférences TED (on s’éloigne du sujet podcast, mais bon !).
    Des conférences avec quelques-uns des plus grands graphistes, designers, photographes
    et architectes au monde, qui présentent leur travail et leur vision
    ; Stefan Sagmeister est « Happiness by design », Philippe Stark est « Design and destiny », JR est « Utiliser l’art pour transformer le monde »
    Ces conférences vont te permettent d’élargir ton champ culturel !

    MAINTENANT, VOUS SAVEZ -CULTURE-

    Vous connaissez, mais est-ce que vous savez ?
    En 3 minutes, Thomas Deseur et Jonathan Aupart, te donnent les clés, essentielles, pour savoir ce qui se cache derrière des phénomènes culturels, des œuvres, des concepts… qui ont marqué et qui marquent notre monde et notre actualité.

    Le panel des émissions est large et éclectique, à toi de piocher selon les nombreux sujets :
    Quelle est la terrible histoire de Frida Kahlo, qu’elle est l’histoire de la Vénus de Milo ? 

    OÙ EST LE BEAU ?

    Où est le beau ? est un podcast dédié au design, à l’architecture, à l’art et à la créativité
    en général. Helen Aguilar discute avec celles et ceux qui créent le beau.
    Ses invités sont designers, artistes, architectes, décorateurs, artisans d’art, paysagistes, explorateurs et bien d’autres !

    Dans les épisodes, elle aborde la démarche, le travail, la définition du beau et les questionne aussi ses invités sur leur rapport au vivant, les discussions sont spontanées et accessibles.

    Convaincue que le beau est un puissant vecteur de changement, Hélène fait raisonner
    sa quête du beau avec une quête de sens en allant à la rencontre de celles et ceux qui,
    dans le domaine du design, de l’architecture et de l’art, façonnent un demain plus beau
    pour un futur engagé; pour toucher l’émotionnel et retrouver l’émerveillement de la beauté
    du monde.

    N’est-il pas venu le temps de changer notre regard sur le beau ?

  • TENDANCES ÉTÉ K21

    Une tendance, c’est quoi ?
    Dans les domaines liés au design, à la mode, au marketing, c’est l’évolution visible d’un phénomène
    sur une longue durée.
    Mais attention, il faut savoir faire la part des choses entre une tendance et un simple effet de mode…

    Je ne suis pas fan des tendances, mais je me tiens au courant de celle-ci, car il est important
    de les comprendre et de les voir évoluer.
    Ce qui est intéressant dans une tendance, c’est l’appropriation; l’adapter à son style personnel et rester fidèle à soi-même. Une tendance est intéressante au regard de ce que vous en faites, oser expérimenter !

    RÉTRO FANTAISISTE

    Comment les années 19701980 et 1990 viennent-elles réinjecter de l’euphorie dans la création contemporaine ?  
    L’euphorie des 80s-90’s rejaillit et influence les créations. Réinventées, elles mixent les codes passés
    avec les exigences esthétiques contemporaines; un design populaire, décomplexé et utopique,
    aux élans d’une future liberté retrouvée.

     

    NOSTALGIE, HUMOUR & RéCONFORT

    Les designers osent l’extravagance et réinterprètent les codes du design. Les formes fantaisistes et étranges inspirent, les teintes qui évoquent la joie et l’enfance.
    Le design repousse les limites de la kitscherie, les créations sont expérimentales et curieuses.
    Les formes rebondies et chaleureuses enveloppent à nouveau le design, la création s’amuse avec celles-ci
    pour faire primer l’émotion sur la fonction.
    Le design souffle l’idée d’un futur réconfortant, d’un monde nouveau !

    Ettore Sottsass pour Bitossi «Flavia» Minitotem
    Clémence Plumenrt et Goeffrey Pascal – Hyère 2021
    Ettore Sottsass pour Alessi
    Fauteuil Mollo par Philippe Malouin pour By Established & Sons
    TYPOGRAPHIE AUDACIEUSE

    L’heure est  à la transgression typographique, la fantaisie et l’ornement prennent place dans notre univers visuel, l’audace est à l’honneur !
    Ces nouvelles créations s’inscrivent dans une période et une époque.
    Les créatifs ont des envies de renouveaux, de folie et d’expérimentations.

    Ces dernières années, nous avons assisté à une standardisation de la typo et des logos, à travers de linéales; des polices de caractères simples et géométriques. Des polices classiques, telles que la Futura, l’Helvetica, l’Avant Garde…  À mon sens des caractères intemporels.

    Je suis d’un avis partagé… D’un côté mon amour et mon respect pour les caractères de labeur et de l’autre mon envie de vous encourager à transgresser les règles, expérimenter et JOUER !!!
    Attention aux tendances et à l’abondance de typographies proposer sur le net… Garde à l’esprit que
    la typographie possède une fonction identitaire et affirme un univers mais aussi qu’elle influence la lisibilité et l’efficacité du message. 
    Qu’elle est la destination ? Commerciales, éditoriales, culturelles ou événementielles ?
    Tout est une question de recul…

    Barrett Reid-Maroney
    Violaine & Jérémy
    Kenneth Vanoverbeke
    Natalia Szabo
    Kookie Santos
  • MES COUPS DE <3 DU MOMENT #9

    Voici la liste de mes coups de coeur du moment, actualités, influences, tendances, phénomènes, …

    En retour, j’attends les tiens !!!

     

    POSTER FOR TOMORROW

    DANGERS DES FAKE NEWS 
    Le concours initié par Poster For Tomorrow, visant à avertir et à sensibiliser sur les dangers que représentent les fake news, dévoile ses lauréats.

    La sélection des 100 affiches (sur 6000 participants) fera partie de l’exposition à la French Design Week.
    La diversité des origines des lauréats démontre que la question des fake news est tristement partagée
    à l’échelle mondiale. Au travers d’idées fortes, les participants dénoncent le rôle des réseaux sociaux et affirment l’importance d’une presse libre et indépendante.

    Les participants nous proposent une grande diversité graphique : illustration, photographie, stretching typographique, flat design, pictogramme narratif, dessin à main levée…
    Voici les 10 premières affiches, tu peux retrouver les 90 suivantes sur le site de Poster For Tomorrow !


    CHRISTIAN BOLTANSKI

    BRIDES DE VIES 

    Plasticien, photographe, sculpteur et cinéaste, Christian Boltanski, artiste contemporain majeur, 
    est décédé ce mercredi 14 juillet 2021.
    Son travail n’a cessé d’interroger la mémoire, l’Histoire et les souvenirs…

    Christian Boltanski est né le 6 septembre 1944, d’une famille juive, à Paris, moins d’un mois après
    la Libération de la capitale. Son enfance et son adolescence se passent dans cet espace familial en vase clos. 

    L’un des principes essentiels de l’œuvre de Christian Boltanski est l’omniprésence de l’autobiographie,
    il met en avant le concept de « mythologie individuelle » pour présenter son travail. 
    L’interrogation incessante sur le « je », le présent et le passé, la présence et l’absence, la mémoire et l’oubli,
    le temps bref de l’individu et le temps sans fin de l’histoire.
    L’œuvre de Boltanski est noire, une immense vanité, une partie d’échecs avec la mort.

    Son art mobilise les sens et compose avec des choses ordinaires : des vêtements usagés, des meubles récupérés, de vieilles photographies, des objets trouvés et oubliés, qui reprennent vie. 
    Ses installations interviennent aussi sur l’espace, le volume, le cheminement… des piles de vêtements
    ou les boîtes rouillées qu’il entasse en murs sont disposées de sorte qu’il faille marcher entre elles,
    longer les empilements ou les tas, ou avoir l’impression de ne pouvoir leur échapper, tant ils occupent l’espace et le rétrécissent.

    Je me souviens de ma première rencontre avec une installation de Christian Boltanski, et des suivantes…
    elles m’ont toutes marqué.
    Dans l’art en général et surtout l’art contemporain, je suis souvent attirée par des œuvres dérangeantes,
    ou la question de transcendance du spectateur a lieu.
    Boltanski m’ébranle sans me parler, ses compositions m’hypnotisent par leurs odeurs, leur atmosphère,
    leur nostalgie, leur histoire et leur non-dit…

    « Boltanski. Faire son temps » Centre Pompidou 2020

    TRAVIS DURDEN

    MYTHES CONTEMPORAINS 

    Qu’est-ce qui détermine tel ou tel objet, être humain à s’élever au rang de culture populaire / idole
    ou culte divin ? Comment l’histoire est influencée dans ce choix ?

    L’artiste parisien, sous le pseudonyme de Travis Durden, est fasciné par la construction de mythes et d’idoles et s’interroge, en tant qu’humains sur ces phénomènes au 21e siècle.

    J’ai été visité l’exposition « Je suis ton père », pour accompagner un ami fan de Star Wars, à Pierrevives.
    J’y ai découvert Travis Durden et sa série de portraits « Mythes & Idoles », où il questionne les ressemblances entre les mythes contemporains et les mythes historiques. Il nous présente des êtres mythologiques
    mi-humains, mi-animaux
    et fusionne les corps de statues antiques aux têtes de héros de la saga.
    L’idée de mélanger culture populaire et culture de la Renaissance lui est venue suite à un concours lancé par l’École du Louvre. Il a réalisé qu’à notre époque du tout numérique, l’impact culturel et émotionnel des œuvres risquait de disparaître.
    Comment permettre de redécouvrir des œuvres anciennes majeures et éviter qu’elles ne soient oubliées ?
    Grâce à sa démarche artistique, il réussit à réunir ses deux passions, l’Histoire de l’art de l’Antiquité
    et les codes de la culture populaire contemporaine et nous démontre qu’ils sont complémentaires !
     

    Cette exposition m’a rappelé la super-production démesurée de Damien Hirst à la Fondation Pinault à Venise en 2017, où se mêlaient les références mythologiques, littéraires, iconiques ou encore issues de la Pop culture.
    Le résultat était spectaculaire, éclatant et déconcertant.
    À lire ici

    • Darth_Resurrection
      Darth_Resurrection
      L'artiste s'amuse à hybrider le Christ tiré de la sculpture de Germain Pilon ("La Résurrection", vers 1572, collection du Louvre) avec le casque de Darth Vader. Rappelons-nous qu'Anakin Skywalker n'a pas de père (il est créé par la Force) et que, dans son parcours, il est confronté à la tentation. Ces deux propriétés le rapprochent du Christ. Mais comme tous les humains, Vader ne peut éviter de sombrer...
    • Storm_Reader
      Storm_Reader
      Cette sculpture représente le célèbre peintre, Nicolas Poussin, en train de terminer son tableau "Testament d'Eudamidas" (Eudamidas est un pauvre soldat de Corinthe). Ce collage numérique devient signifiant : les Stormtroopers sont aussi ces soldats anonymes de l'Empire galactique, sauf que leur mort, elle, n'a pas le mérite d'être immortalisée.
    • General_Niobides
      General_Niobides
      Cette statue antique représente le Général Grievous de Star Wars. Il reprend la même position qu’une statue du Musée du Louvre représentant l’un des fils de Niobé, alors que ce dernier avait reçu une flèche dans le dos par Apollon. Niobé : fière de sa fécondité, elle se vanta d'être supérieure à Léto. Cette dernière pour la punir fît abattre ses six fils par son fils Apollon et Artémis ses six filles.
    • Gladiator_Boba
      Gladiator_Boba
      L'artiste s'amuse à hybrider le "Gladiateur mourant" de Pierre Julien (1779, collection du Louvre) avec le casque de Boba Fett. Travis Durden vient faire se rencontrer deux "mythologies" différentes: Boba Fett est bien un gladiateur des temps modernes.
    • The-nymph_bounty-hunter
      The-nymph_bounty-hunter
      La statue de la Nymphe au scorpion, une réalisation de Lorenzo Bartolini avec la tête d’un robot de la série Star Wars. Le résultat mi-humain, mi- robot est des plus troublants.
    • Love_Droid
      Love_Droid
      Sur la sculpture d’Antonio Canova, intitulée « Psyché ranimée par le baiser de l'Amour », Travis Durden a remplacé la tête de la statue représentant Eros s’apprêtant à embrasser sa belle par celle de C3PO. Un robot peut-il se métamorphoser, a-il droit à l'amour ?
    • Amiral_de_Ren
      Amiral_de_Ren
      L'artiste s'amuse à hybrider la sculpture "Tombeau de Philippe Chabot, Comte de Brion, Amiral de France (mort en 1543)", avec le casque de Kylo Ren. Kylo Ren de se rêve en amiral, empereur, tant il est obnubilé par son grand-père, Darth Vader !
    • Yodea_Angel
      Yodea_Angel
      Travis Durden nous présente Maître Yoda sous les trait d'une statue antique. Célèbre pour sa grande sagesse et sa façon de parler si particulière, ce Jedi ressemble à un ange gardien bienveillant.

    Les œuvres de Travis Durden sont en vente sur le site de la Galerie Sakura

    SHO SHIBUYA

    LEVERS DE SOLEIL 

    Submergé par les mauvaises nouvelles en continu, le graphiste Sho Shibuya a mal vécu le confinement…
    Ce japonais installé à Brooklyn depuis 2011, s’est focalisé sur les jolies choses; les levers de soleil
    depuis les petites fenêtres de son studio, qui lui offraient un véritable moment d’évasion et des instants magiques quotidiens.

    L’artiste a photographié chaque lever de soleil, et retranscrit à l’acrylique les dégradés apaisants
    sur la première page du New York Times.
    Des Unes sereines et poétiques à l’inverse du chaos quotidien, à retrouver sur son compte Instagram.

    Nous avons plus que jamais besoin de générosité
    et de paix pour tous. 

    À méditer…
    Je ne sais pas vous, mais en cette époque d’incertitude, j’ai bien besoin de douceur.
    La dynamique du projet de Sho Shibuya me rappelle de lever les yeux et de capturer quelques instants
    de beauté !

  • INSTA À SUIVRE… #10

    Instagram est l’un des réseaux sociaux les plus efficaces pour les designers. 

    Basé sur l’image, tu captures et partages le monde qui t’entoure, post tes influences, ton travail,
    tes coups de coeur…

    Suite de la rubrique, voici l’article #10, je te propose une liste de comptes inspirants, intéressants et innovants.
    Graphisme, architecture, illustration, dessin, typographie, motion-design…

    PATAGRAPH

    Serial Looper

    Victor Haegelin est un réalisateur spécialisé dans l’animation stop motion.
    Ses clients sont WaxTailor, McDonalds, KitKat, Lego, Nestlé, Disney, Galerie Lafayette, Louis Vuitton…
    Il donne vie à tout ce qui ne bouge pas, dans des lieux du quotidien, toujours avec un esprit ludique,
    décalé et surtout rapide !
    Il prétend être l’animateur le plus rapide de Paris. Et il vise à être le plus rapide du woooOOOooooorld !
    Il est représenté par le laboratoire graphique @wizzdesign

    STRIKE.ART

    Un nouvel imaginaire

    Fondé en 2020, Strike Art travaille avec les artistes afin de créer des œuvres d’art exclusives.
    Strike Art donne sa vision de l’art contemporain; unique mais toujours accessibles au plus grand nombre.
    Une source d’inspiration !

    DAVID_LACHAPELLE

    Tableaux photographique

    À 17 ans, David LaChapelle déménage à New York. Après sa première exposition de photographies
    à la Galerie 303, il est engagé par Andy Warhol pour travailler à Interview Magazine.
    Grâce à sa maîtrise de la couleur, de sa composition unique et de ses récits imaginatifs, les photographies
    de David Lachapelle remettent en question les dispositifs de la photographie traditionnelle.
    Son approche photographique influence, depuis plusieurs années, le travail de plusieurs générations
    de créatifs.
    Beaucoup de ses œuvres sont devenues des emblèmes de l’Amérique du 21e siècle.

    PAPIERPAPIERPAPIER

    Création de magie en papier

    Laure Farion sculpte des décors en papier pour des clients tels que Petit bateau, Clairefontaine, Cultura
    ou encore Nature & découvertes… à destination de vitrines, évènements, réseaux sociaux
    et campagnes de publicité. 
    Différentes techniques à explorer avec les DIY qu’elle propose sur son site, avant de te lancer pour tes projets en design graphique ou encore tes maquettes de design d’espace ! Prêt, créé, coupez !

    DISTRIA

    Ex fan des seventies

    Les réalisations du designer -d’espace et d’objet – et décorateur Thierry d’Istria puisent leur raison
    d’être comme leur esthétique entre rétro futurisme et haute technicité. Il raconte des histoires en décalage
    avec les codes habituels. 
    « Je cherche à créer la surprise, avec des pièces qui résonnent dans l’inconscient collectif. »

  • MONTPELLIER – 10 JOURS SANS éCRANS #K21 #DESIGNGRAPHIQUE

    Série culte du blog, instructive et informative, surtout pour les futurs étudiants en 3ème année, je te propose de découvrir quelques-uns des projets professionnels pour cette année 2021, que nos étudiants ont réalisés et présentés lors des oraux de fin d’année en Bachelor.

    Sarah nous présente, son projet voire son défi, en Design graphique, ambitieux car impossible à tenir pour petits et grands… 10 jours sans écrans !

    Mais avant, qu’est-ce que le design graphique ?

     

    DESIGN GRAPHIQUE 

    Le Bachelor Design Graphique à l’ESMA apporte tous les outils nécessaires pour apprendre à travailler
    sur tous types de supports de communication, coordonner les étapes de réalisation d’un produit de design graphique ou d’une identité visuelle, à partir d’une commande.

    Concevoir un site web, réaliser une campagne publicitaire ou créer une charte graphique sont quelques-unes des compétences acquises dans le cadre du Bachelor Design Graphique.

    Le Bachelor offre de multiples possibilités, un large panel de carrières :
    Designer graphique, Directeur artistique, Illustrateur graphiste, Web designer, Graphiste freelance

    Les deux années d’études du Bachelor Design Graphique se concluent par le passage en Mastère,
    Design & Stratégie Digitale ou Motion Graphics Designaprès l’obtention de l’examen de fin d’année.
    Les étudiants réalisent un projet professionnel, qu’ils devront présenter lors d’un oral à l’examen.
    Il permet de mettre en pratique leurs compétences et de montrer leur capacité à s’investir et réaliser
    une campagne dans sa totalité.

    PROJET PROFESSIONNEL EN DESIGN GRAPHIQUE
    UN DÉFI DE TAILLE
    PRÉSENTATION DU PROJET ET ATTENTE

    10 jours sans écrans c’est qui ?
    10 jours sans écrans, c’est avant tout une association régie par la loi du 1er juillet 1901 et le décret du 16 août 1901, elle a pour objet la promotion du « défi 10 jours sans écrans ». Elle agit auprès de structures d’accueil petite enfance, des écoles maternelles et primaires, des collèges et lycées, des associations, des municipalités, ainsi qu’auprès de toutes les instances qui oeuvrent en faveur de la petite enfance, l’enfance ou l’adolescence.

    Le défi est un événement qui a pour objectif de faire vivre à tous les acteurs d’un établissement scolaire (personnel et enseignants compris) et aux familles qui le souhaitent, un moment convivial, voire festif,
    de réflexion et de prise de recul sur l’usage que nous avons des outils numériques
    . Et préparer les enfants et les adolescents à se servir de ces objets sans se laisser asservir.

    Pour cela, l’association avait besoin d’une identité visuelle, qui représenterait ses valeurs et l’accompagnerait.
    Cette identité est visible sur plusieurs supports :
    – Le logo,
    – Une campagne d’affichage,
    – Des pin’s pour les participants,
    – Des carnets de bord de 24 pages,
    – Un questionnaire pour la fin du défi de 8 pages.
    (Et à venir, un dépliant explicatif ainsi qu’un livret de 48 pages.)

    DES-CONNEXIONS

    Comment créer une image actuelle qui reflète l’essence du défi alors qu’il rassemble de multiples cibles ?

    L’axe des-connexions s’appuie sur le resserrement des liens sociaux.
    Il illustre l’unité des participants, l’image d’équipe, de fraternité.
    Ma direction créative visait un ton chaleureux et humain, avec des formes généreuses et vivantes
    Le concept est l’« high five » (tope là), qui exprime le succès d’une tâche et l’encouragement.
    C’est une preuve d’amitié, d’esprit d’équipe, de dynamisme, mais surtout d’enthousiasme.
     

    Je suis partie sur cette idée de formes généreuses, ainsi que sur un graphisme actuel et coloré; une grande bouffée d’air frais avec une priorité pour l’illustration autour de personnages dynamiques et enjoués.
    Un graphisme qui transforme le banal en quelque chose de spécial !
    Faire aimer et faire agir en passant de l’intérieur à l’extérieur avec des amis.es !!!

    Mes premières inspirations, sont tournées vers Keith Haring, et son art accessible au plus grand nombre.
    Ou encore, la graphiste Jessica Walsh, et son univers pop et ludique !  
    Au fil de mes recherches, j’ai aussi découvert des illustrateurs comme Olga Gurova.   

    INTERVIEW
    POURQUOI AVOIR CHOISI CE PROJET ?

    « Ah ! Esprits ! Soyez utiles ! Servez à quelque chose. Ne faites pas les dégoûtés quand il s’agit d’être efficaces et bons. L’art pour l’art peut être beau, mais l’art pour le progrès est plus beau encore. »
    Victor Hugo

    En réfléchissant à mon projet professionnel, je voulais aller dans une direction qui pour moi a du sens. 
    Qui pourrait, je l’espère servir au « bien commun », contribuer à une certaine prise de conscience.
    Et suite à l’expansion des outils numériques, les écrans ont pris une place considérable dans notre société
    et donc dans notre vie quotidienne… 
    C’est pourquoi je me suis intéressée au temps que nous passons dessus, ce temps, qui depuis quelques années ne fait qu’accroître, et ce, surtout chez les plus jeunes; le temps d’écrans d’un adolescent entre 13
    et 18 ans est de 6h45 par jour.
    Pourtant, l’on ne se rend pas toujours compte de l’impact qu’ils ont dans nos vies; en 40 ans,
    nous avons perdu 25 % de nos capacités physiques à cause de la sédentarité.
    Alors dans le but d’en apprendre plus, mais surtout de participer à une bonne cause que j’ai décidé d’aider l’association 10 jours sans écrans.

     

    COMMENT C’EST PASSÉ LA COLLABORATION AVEC L’ANNONCEUR ?

    Ma collaboration avec le président de l’association Eneko, c’est vraiment très bien passé. 
    Nos échanges étaient fluides, il m’a fait confiance dès le début, et je lui en suis très reconnaissante. 

    À partir du moment où l’axe le plus intéressant a été validé, tout c’est accéléré.
    Ça a vraiment été une super expérience, surtout lorsque l’on sait que c’est mon premier projet solo, réel
    et rémunéré, en tant que graphiste.
    Tous les supports sur lesquels, j’ai travaillé ont étaient gardés, et je suis très heureuse d’avoir appris que
    les badges avaient été porté par 15 000 élèves, ce qui est un record pour le défi !

     

    POURQUOI AVOIR CHOISI CES ÉTUDES ?

    Pour moi un graphiste c’est un artiste qui a le pouvoir de faire regarder les personnes dans une direction précise. C’est cette raison qui m’a convaincue d’aller design graphique.
    J’apprécie l’idée de synthétiser diverses informations et de les transformer en images, en message.
    Mise à part ces deux arguments mon choix a été plutôt instinctif, je me suis faite confiance je suis allée
    vers ce qui me correspondait le mieux et où je me sentais bien.

    Grâce à mes études, je sens que j’ai un oeil plus aiguisé ; souvent, je remarque des choses que d’autres 
    ne voient pas. Maintenant, je ne regarde plus seulement ce que l’on veut me montrer… mes connaissances m’amènent plus loin. Par exemple, je perçois les références à la peinture dans les films et séries, ce qui leur donne une profondeur que je ne distinguais pas avant.
    Maintenant, j’aime les petits détails qui veulent dire beaucoup.
    Sur le plan artistique et technique, j’ai développé ma culture et ma curiosité. Aujourd’hui, lorsque je vais voir une exposition, je perçois différemment ce que l’artiste exprime, et la complexité de son travail.

     

    POUR TOI, QUELS SONT LES AVANTAGES ET LES INCONVÉNIENTS
    DE CE MÉTIER ?

    Dans une même agence, nous sommes amenés à travailler pour des clients très différents, ce qui permet d’apprendre beaucoup de choses sur différents sujets. 

    Être graphiste, c’est se réinventer chaque jour,
    voir plus loin et penser au-delà des codes.

    Pour moi, un designer sait pourquoi il fait un choix, celui-ci n’est pas gratuit, mais l’élaboration de nombreuses recherches, cet état d’esprit donne confiance en soi.

    Belle comme une fleur le graphisme a malheureusement aussi des épines… à vouloir le tenir trop longtemps dans ses mains, on risque de se blesser. Je pense que nous aimons tellement notre métier que
    nous ne comptons pas nos heures et l’inconvénient c’est le surmenage, ou encore, lui donner une trop grande place dans notre vie.

     

    LA SUITE APRÈS L’OBTENTION DE TON BACHELOR ?

    Après mon Bachelor, j’ai décidé de changer de décor, je continue mes études à Toulouse.
    J’intègre un Mastère direction artistique numérique, en alternance. Je souhaite me confronter
    au milieu professionnel, tout en complétant ma formation plus ouverte sur le digital.

     

    QUELS SONT TES PROJETS PERSONNELS/PRO À VENIR ?

    Pour la suite, on peut tout d’abord dire que j’ai encore un dépliant et un livre à faire pour l’association 10 jours sans écrans ! J’espère pouvoir travailler à nouveau avec eux l’année prochaine.
    J’aimerais vendre mes différentes illustrations sur des plates formes tel que Redbubble.
    Et pour finir, j’ai vraiment envie de reprendre la photographie et de m’y mettre sérieusement. 

     

    Merci Sarah pour avoir relevé ce défi, qui a déjà remporté un réel succès auprès des cibles visées !
    Bonne continuation !

  • MONTPELLIER – aménagement d’un cabinet médical #K21 #DESIGNDESPACE

    Série culte du blog, instructive et informative, surtout pour les futurs étudiants en 3ème année, je te propose de découvrir quelques-uns des projets professionnels pour cette année 2021, que nos étudiants ont réalisés et présentés lors des oraux de fin d’année en Bachelor.

    Je commence avec Chloé en Design d’Espace et son projet sur l’aménagement d’un cabinet paramédical.

    Mais avant, qu’est-ce que le design d’espace ?

     

    DESIGN D’ESPACE

    Le Bachelor en Design d’Espace à l’ESMA, forme des concepteurs d’espaces.
    Apprendre à concevoir des réalisations pérennes ou éphémères,
    aménager des lieux de vie intérieurs comme extérieurs, privés comme publics.
    Une formation, à la fois artistique et technique, qui pourra ensuite ouvrir les portes de l’architecture.

    Les étudiants qui choisissent cette voie, sont entre autres, formés au métier
    de l’aménagement de l’espace, de l’architecture, des techniques de construction et de la scénographie

    Les deux années d’études en Bachelor Design d’Espace se concluent par le passage en Mastère après l’obtention de l’examen de fin d’année.
    Les étudiants réalisent un projet professionnel, qu’ils devront présenter lors d’un oral à l’examen.
    Il permet de mettre en pratique leurs compétences et de montrer leur capacité à s’investir
    et réaliser un projet réel dans sa totalité.

    PROJET DE SYNTHÈSE DESIGN D’ESPACE
    CRÉER UN LIEU SEREIN ET LUDIQUE
    PRÉSENTATION DU PROJET ET ATTENTE

    Le projet consiste en l’aménagement d’un cabinet paramédical pour trois orthophonistes et une psychologue, travaillant toutes avec des enfants de 0 à 14 ans, ayant vécu ou non des traumatismes psychomoteurs.
    Pour cela, elles ont fait l’acquisition d’une ancienne habitation à Seilh, une commune dans le nord
    de Toulouse. Cette dernière ne répond donc pas à leurs besoins, ainsi qu’à ceux de leurs patients…
    Elles demandent alors dans le cahier des charges : 4 locaux comme bureaux indépendants, une salle d’attente, un espace privé avec une cuisine, des sanitaires publics et privés, ainsi qu’un parking.

     

    UN ESPACE MéDICAL à l’inverse des idées reçues 

    Comment rendre un lieu dédié à la santé moins angoissant, ainsi qu’introduire la notion de sérénité,
    quand la vision des professionnels de santé est d’instaurer du lien ?

    Ces quatre professionnelles de santé accueillent de jeunes patients, il a donc été important
    d’avoir une problématique bien ciblée afin de proposer une réponse qui pourra correspondre
    aux besoins des patients. 
    J’ai donc cherché, tout le long du projet, à faire en sorte de rendre l’idée du cabinet médical moins angoissante pour le jeune enfant, car elle peut être une source de stress.
    J’ai souhaité sortir de cette idée médicale froide, notamment en profitant de cette maison et de son jardin
    qui symbolisent le calme
    , la sérénité et un esprit chaleureux, de confiance, qui sont des points essentiels pour les maitres d’ouvrage qui cherchent à sortir d’une simple relation patient/médecin, en instaurant une grande proximité entre eux.

    Les enfants venant dans ce cabinet ont besoin d’apprendre ou réapprendre, de confort, le tout apporté par un esprit ludique.
    Je me suis alors basée sur l’approche Snoezelen, qui est un concept qui consiste à provoquer l’interaction par les matériaux, les formes ou les couleurs, dans le cadre du handicap et du polyhandicap,
    afin de diminuer les comportements difficiles qu’il peut y avoir lors d’une séance.

     

    LE CERCLE Créateur de lien

    Je me positionne sur l’utilisation du cercle, étant une forme qui permet un certain pied d’égalité, l’idée de créer du lien sans « séparer », ce qui permet d’apporter ce côté chaleureux supplémentaire.
    Ce cercle vient alors se décliner dans l’infrastructure, créer des installations interactives permettant assises et aires de jeux.

    On retrouve un travail de différentes anamorphoses (procédé qui à un point de vue unique) qui permet
    de découvrir un motif bien précis, afin d’amener l’enfant à vouloir se déplacer dans l’espace, à aimer découvrir de nouveaux points de vue.
    Notamment à l’entrée par la découpe du mur, ou encore dans le couloir menant aux bureaux, où les patients doivent passer à travers ce qui symbolise un sas de décompression, indiquant à l’enfant le moment
    entre l’espace attente/jeu à l’espace de travail où il faut redevenir calme
    .

    Dans les bureaux on retrouve une structure au sol faite en mousse, qui permet de créer une continuité
    de ce sol pour supprimer tables et chaises, afin d’éviter un côté « scolaire » qui pourrait être assimilé à un lieu stressant, ou déranger la concentration de certains patients, tout en apportant confort par les matériaux.
    Les couleurs s’orientent vers le pastel afin de stimuler l’oeil, sans non plus trop infantiliser les plus grands.

    Etant un bâtiment recevant du public, il est important d’inclure les personnes à mobilité réduite.
    C’est pourquoi cette structure offre des pentes afin de faire participer une personne en fauteuil roulant, sans l’exclure de l’installation.

    En plus du concept Snoezelen, je me suis basée sur le travail en anamorphose de Felice Varini
    au Grand Palais de Paris
    notamment, où l’artiste offre une vision unique du bâtiment grâce à ses cercles colorés, ainsi que sur le travail de Verner Panton avec son installation Visiona 2, qui traite la forme à partir de la courbe du corps, pour amener un important confort.
    Je me suis énormément intéressée à ce qu’il se fait dans des écoles primaires, bibliothèques ou aires de jeux que l’on peut retrouver dans certains pays asiatiques, qui mettent vraiment en avant cette idée de

    créer une structure avec laquelle l’enfant pourra interagir avec tout son corps, et également son imagination
    par le choix de formes non subjectives.

    INTERVIEW
    POURQUOI AVOIR CHOISI CE PROJET ?

    J’ai choisi ce projet d’une part pour travailler la notion de bâtiment public, devant respecter de nombreuses normes, et d’une autre pour le contexte de la relation entre l’enfant et le monde médical.
    Travailler pour une cible si jeune pousse à revenir en arrière et se demander ce que l’on aurait aimé voir, et donc travailler différemment que pour une tranche d’âge plus élevée.
    Le monde des enfants est extraordinaire à étudier et à imaginer. Ce changement de position est super intéressant ! Cela permet également d’imaginer à comment donner des souvenirs qui vont marquer un jeune esprit, qui se rappellera toujours d’une maison atypique où il venait apprendre et grandir, et je trouve
    que c’est un des points-clés des objectifs de ce projet.

     

    COMMENT C’EST PASSé LA COLLABORATION AVEC L’ANNONCEUR ?

    La demande est réelle, mais les maitres d’ouvrage travaillent avec des personnes de toutes tranches d’âge. J’ai modifié ce détail afin de vraiment travailler ce que je cherchais à découvrir dans le design d’espace.
    J’ai beaucoup discuté avec elles sur leurs besoins, leur vision de leur métier et de leurs relations
    avec les patients, et la proposition apportée leur a vraiment plu !
    Elles réfléchissent d’ailleurs à intégrer ces structures interactives dans le coin « pour les plus jeunes ».

     

    POURQUOI AVOIR CHOISI CES éTUDES ?

    J’ai toujours été passionnée par le dessin. Je dessine depuis vraiment toute petite, mais j’ai toujours eu
    un esprit très scientifique qui adore rechercher
    , définir des solutions à des problèmes.
    Après un bac scientifique je me suis naturellement dirigée dans cette voie artistique qui me manquait,
    et qui me permet d’allier ces deux côtés de ma personnalité !

     

    Pour toi, quels sont les avantages et les inconvénients
    de ce métier ?

    Dans ce métier, il est possible de toucher à énormément de domaines, que ce soit de l’aménagement intérieur, du design d’objet, l’aménagement urbain, et bien d’autres, ce qui permet de ne pas s’en lasser !

    Être designer d’espace ou architecte, c’est offrir
    la réalisation d’un projet, rendre possible une envie…
    c’est tout simplement rendre l’imaginaire d’une personne réel.

    On est poussé à toujours chercher et se renseigner sur toutes sortes de nouveautés afin d’innover et évoluer dans le temps qui lui n’arrête pas d’avancer, cela permet donc d’avoir une grande curiosité en plus
    d’une culture artistique et technique importante
    .

    L’inconvénient principal serait selon moi la pression qui vient après la réalisation d’un projet, l’idée de se dire
    si la réponse apportée est vraiment la bonne, si elle convient, si tout simplement mon projet tient la route !
    Après, il y aura sûrement la pression de toute la partie administrative, mais je n’y suis pas encore !

     

    La suite après l’obtention de ton bachelor ?

    À la prochaine rentrée, j’entre fièrement en L2 à l’école d’architecture de Montpellier, l’ENSAM, où je pourrai
    à la fois mettre à profit ma formation au sein de l’ESMA, ainsi que continuer dans les études pour arriver
    au diplôme d’architecte
    , mon prochain objectif professionnel.

     

    Quels sont tes projets personnels/pro à venir ?

    Pour l’instant, je cherche à continuer l’apprentissage des outils techniques avec les logiciels, mais aussi
    les méthodes de représentation graphique afin d’explorer ce domaine pour perfectionner mon propre style
    et rendre mes créations encore plus personnelles.
    Je continue de dessiner, je ne m’arrête jamais, j’adore particulièrement le dessin d’observation, en passant par des portraits réalistes ou en croquis rapide. Je trouve que c’est un sujet de dessin très intéressant,
    il permet d’analyser matériaux, lumières, contrastes, courbes, et qui amène à poser un oeil différent
    sur ce qui nous entoure
    .

    Merci Chloé pour ce projet qui plaira aux enfants et grâce à cela rassurera les parents ^^
    Bonne continuation !

  • Octobre rose / Novembre bleu – DG/MTP

    Chaque année en octobre, la campagne de lutte contre le cancer du sein et en novembre,
    celle contre le cancer de la prostate, sont organisées pour informer, mobiliser et dialoguer. 

    Octobre Rose et Novembre bleu sont chaque année un rendez-vous de mobilisation nationale, l’occasion
    de mettre en lumière sur un mois, une campagne d’information sur le dépistage précoce et de lutte contre
    ces deux types de cancers, qui touche 1 personne sur 8.

    En tant qu’enseignante et designer graphique, j’ai l’opportunité et le désir de faire prendre conscience
    aux étudiants de différents phénomènes de société dans les champs politiques, social, médical ou humanitaire. Je suis convaincue de la nécessité d’ouvrir un discours graphique sur des sujets mal connus de la nouvelle génération, mais pourtant quotidien
    Un graphisme expressif, humoriste et/ou pédagogique. Des mots qui claquent et qui sensibilisent.

    À lire, voir ou revoir, l’article sur la grossophobie.

     

    OCTOBRE ROSE / NOVEMBRE BLEU, QU’EST CE QUE C’EST ?

    Le mois d’octobre est désormais rose ! C’est un rendez-vous de mobilisation nationale et internationale ; professionnels de santé, ONG et associations sont rassemblées pour informer, sensibiliser et soutenir autour du cancer du sein.

    Novembre bleu, plus connu sous le nom de Movember, est lui, le mois dédié à la sensibilisation du dépistage du cancer de la prostate et des testicules. À cette occasion, les hommes se laissent pousser la moustache et que la moustache (bouc et barbe interdits) !

    On estime qu’une femme sur 8 sera touchée par le cancer du sein au cours de sa vie, et un homme sur 7
    pour le cancer de la prostate d’où l’importance d’un dépistage précoce
    Plus ces cancers sont détectés tôt, mieux ils sont traités et plus les chances de guérison sont importantes.

     

    UNE COMMUNICATION INSTITUTIONNELLE, QU’EST CE QUE C’EST ?

    Qui dit communication institutionnelle dit communication publique. 
    C’est une communication formelle qui suscitera un échange et un partage de l’information.
    Sa responsabilité incombe à des institutions publiques ou à des organisations investies de missions d’intérêt collectif. Une campagne institutionnelle s’oppose à la publicité produit. Elle tentera d’améliorer la perception des différentes cibles visées.

     

    COMMENT SENSIBILISER CONTRE LE CANCER  ?

    Deux problématiques s’imposent à nous sur ce projet :
    Comment sensibiliser contre le cancer du sein, alors que la campagne existe depuis près de 27 ans ?
    Et comment sensibiliser contre le cancer de la prostate, alors que le sujet est tabou auprès des hommes ?

    À partir de différentes sources, les étudiants ont constitué un dépliant avec toutes les informations
    sur le cancer du sein et de la prostate ; les chiffres, les cibles, des témoignages, les campagnes antérieures…
    Ce processus de recherche leur a permis aux Bachelor/2 en Design Graphique  de l’Esma Montpellier 
    de développer leurs axes et concepts (axe : idée forte – concept : représentation de cette idée), p
    our créer
    une campagne d’affichage à destination de la population.
    Petite complication, les étudiants avaient pour consigne de réaliser deux affiches avec la même unité graphique, c’est-à-dire, en lien l’une avec l’autre.

    LE MERVEILLEUX MONDE DU DÉPISTAGE

    J’ai souhaité faire rentrer les femmes et les hommes dans un doux univers illustré, dans un microcosme,
    selon le cancer concerné.
    Pour le cancer du sein, une femme, se retrouve entourée de « montagnes poitrine », elles sont
    les représentations de toutes les femmes ayant réalisé des dépistages. La main, elle, est une allégorie
    du dépistage
    , nous sommes dans un monde merveilleux. L’univers se veut rassurant, le but est de dédramatiser le dépistage et montrer à quel point il est important de le réaliser, car un cancer non dépisté et/ou non pris en charge à temps, peut à lui seul déranger l’équilibre de ce monde serein.
    Pour le cancer des testicules, l’intention est la même, seule la représentation des autres hommes changent,
    ce sont des « cactus phallus ». L’homme à lui aussi par sa position le geste de « prendre soin », il entoure
    le pot de fleurs de ses mains, nous signifiant l’importance et la préciosité de notre corps et de notre santé

    La difficulté de ce projet était de sortir des sentiers battus, de ne pas tomber dans le cliché des campagnes institutionnelles, parfois impersonnelles. Je ne souhaitais pas non plus donner un aspect trop dramatique
    au dépistage, mais plutôt interpeller et donner envie de prendre soin de soi et de garder l’équilibre
    de notre
     « Merveilleux monde du dépistage ». 

    Marie Seris

    ALTÉRATION

    J’ai choisi de traiter ce sujet sous l’axe de la déformation. Mon concept était de travailler un visuel déformé par des ondes, des vibrations qui se propagent. Je me suis adonnée à une expérimentation typographique avec comme outil une photocopieuse, j’ai obtenu de multiples résultats, que j’ai associé pour donner
    le résultat final. 
    Les lettres sont chaotiques, le mot barbouillé, il décrit un changement avec un effet étrange et inquiétant… signe d’une altération.

    Sur les affiches, cette altération du mot « cancer » occupe tout l’espace, il attire le regard de par sa taille
    et sa couleur. Les couleurs, sur octobre et novembre, sont à la fois rose et bleu / bleu et rose, car le cancer nous concerne tous.

    Mélanie Pugnet

    GÉNÉRATION

    Après avoir discuté avec des personnes concernées par le dépistage de ces deux cancers, je me suis rendu compte qu’il y avait un problème de procrastination et de méconnaissance de l’âge recommandé
    pour se faire dépister, l’âge préconisé est à partir de 45 ans (suivant les antécédents médicaux).
    J’ai donc utilisé un élément générationnel : les dessins animés de la fin des années 70. 
    Rien de mieux que des souvenirs joyeux d’enfance ! 
    J’ai gardé un ton positif et pas trop moralisateur pour toucher un maximum de personnes, avec comme slogan « Si tu as vu ce dessin animé quand tu étais petit, c’est que tu as l’âge de te faire dépister ». 

    LA CONFIDENCE

    Le cancer du sein, sujet sensible, est ici abordé sur un ton à la fois positif et intime, de l’ordre de
    la confidence
    que l’on pourrait retrouver dans les petits boudoirs.

    Cette confidence, à la fois masculine et féminine,
    détruit les tabous en ajoutant une touche d’humour
    permettant un discours spontané et honnête. 

    L’utilisation des textos disposés sur des peintures du XIXe siècle (Hippolyte Flandrin, Toulmouche, Cyril Cavé) permet une réactualisation de celles-ci tout en gardant cette thématique de l’intimité, du secret.
    Elles peuvent ainsi toucher un public à la fois jeune et un public plus âgé

    Séraphine Roustand

    TOUCHEZ-VOUS

    J’ai utilisé le pictogramme pour transmettre une information universelle, un moyen graphique simple, direct
    et compréhensible par tous : l’oeil pour observer + la main pour toucher + la poitrine ou les testicules qui sont la partie du corps à observer et toucher ! La combinaison des trois sensibilise la population sur le sujet. 
    La phrase d’accroche « Prenez soin de vous, touchez-vous » doit inciter le public à l’auto palpation pour
    se protéger. La phrase un peu crue et affirmative « touchez-vous », contraste avec le « prenez soin de vous » pour interpeller et mobiliser les concitoyens !

    J’avais quelques connaissances sur octobre rose, mais très peu sur novembre bleu. Je me suis beaucoup informée et documentée. Je me suis rendu compte que le plus important était de renseigner le grand public pour le sensibiliser. Ayant beaucoup appris, j’ai pu sensibiliser mon entourage à mon tour.  
    Pour moi, c’est en étant renseigné qu’on agit le mieux !

    Mathida Marquié

  • AFFICHE SPéCIMEN – DG/MTP

    La typographie et la mise en page sont la base du métier de graphiste.
    Les polices sont l’un des choix de conception les plus importants à faire lors de la réalisation d’un projet.
    Les meilleures polices te donnent l’impression que tu t’es fait un ami instantané tandis que les pires polices sont comme un intrus.
    Il existe une tonne de mauvaises polices qui sont ennuyeuses, illisibles et tout simplement laides…
    Pourquoi allez chercher « l’originalité » quand tu as de beaux caractères classiques et pertinents.

    Chaque caractère, au-delà de sa forme purement graphique, possède un passé, véhicule un bagage culturel, historique et social. Il crée par sa seule présence une véritable ambiance et influence l’interprétation du texte.
    Un caractère se choisit avec la connaissance, le recul et la pertinence du projet qui le concerne.

     

    CLASSIFICATIONS DES CARACTÈRES

    Le premier pas vers la connaissance des alphabets et le choix de leur utilisation se fait avec la classification Thibaudeau, inventée en 1921 par Francis Thibaudeau, elle permet de classer les polices de caractères
    en quatre grandes familles, rassemblées selon la forme des empattements.

    La classification Vox-Atypi, inventée par Maximilien Vox en 1952, et adoptée en 1962 par l’association typographique internationale (ATYPI), permet de classer les polices de caractères en 11 grandes familles.
    Cette classification tend à regrouper les polices de caractères selon de grandes tendances,
    souvent typiques d’une époque, et ce, en s’appuyant sur un certain nombre de critères : pleins et déliés, forme des empattements, etc.

     

    SUBLIMER UN CARACTÈRE

    Pour ce projet, j’ai demandé à mes étudiants de mettre en page une fonte (police de caractères)
    parmi une liste de mon choix (!) sous la forme d’une affiche
    Une affiche-spécimen pédagogique veillant à retracer l’historique, les caractéristiques, les fonctionnalités,
    son créateur, etc.
    Un objet imprimé et son sujet prennent ainsi leur fonction informative tout en évoquant l’aspect esthétique.
    On retrouve les grands classiques comme le Baskerville, le Bodoni, le Futura ou encore l’Helvetica et
    des contemporains comme Le Faune, Le Canopée…

    HELVETICA

    Je connaissais déjà assez bien l’histoire de l’Helvetica ayant fait un exposé dessus l’année précédente
    et l’idée était de se détacher un petit peu de l’aspect historique et pédagogique pour se concentrer
    sur l’élaboration de la font
    . Mon intention était de mettre en avant la création des caractères Helvetica
    Je me suis donc renseignée sur le vocabulaire typographique tel que le jambage, la traverse
    et tous les éléments qui composent un caractère.
    Il a donc fallu trouver un concept de représentation du processus de création, mes recherches m’ont dirigé vers les diazographies; des reproductions d’anciens plans sur fond bleu (souvent utilisés pour le design d’armes ou de véhicules). On y retrouve des schémas, des grilles, des mesures, toutes les informations nécessaires au design d’un objet.

    Ce sujet m’a beaucoup apporté, j’ai (enfin) compris l’importance et l’utilité d’une grille pour la composition.
    En ce qui concerne ma vision de l’Helvetica, je dirais que c’est vraiment une fonte intemporelle,
    elle apporte une bonne lisibilité, neutralité (dessinée par un Suisse, ça doit y jouer !). Elle reste moderne
    même après toutes ces années
    . Mais cette neutralité peut aussi être un défaut, mal utilisé, ce caractère
    peu avoir un aspect impersonnel et un peu froid…
    Juliette

    CANOPÉE

    La canopée est la zone la plus vivante d’une forêt tropicale. 
    Afin de mettre en avant la caractéristique d’une canopée au travers de la typographie, j’ai joué
    sur les disproportions (tailles des plantes, insectes, etc.) que l’on retrouve dans la forêt, avec les lettres. 

    Une des caractéristiques du caractère Canopée est de s’inspirer des façades New-yorkaises.
    Pour l’affiche double, j’ai souhaité retrouver cette idée de façades en jouant avec les lettres.
    Par la symétrie, le A prend la forme d’un building.

    Essayer de comprendre une font m’a permis de prendre conscience de la réflexion et de l’engagement
    créatif du métier de typographe. 
    J’ai pu comprendre et examiner les origines -les façades New-yorkaises- et les inspirations Art Nouveau,
    du caractère Canopée et sa complexité.
    Charlotte

    FAUNE

    J’ai choisi de mettre en avant les caractéristiques clef de la typographie d’Alice Savoie; elle a créé 3 variantes de référence -fine, italique, gras- inspirées de 3 espèces animales différentes : le bélier, l’ibis et le serpent.
    J’ai voulu montrer toutes les subtilités de cette typographie, avec ses caractères courbés, gras et fort,
    ou très raffinés. Son travail reflète toute la diversité et la pluralité du monde animal. 

    Choisir une typographie inspirée du monde animal rendait mes recherches particulièrement intéressantes ! 
    C’était la première fois que je voyais ça au courant de mes études, cela m’a fait prendre conscience
    de l’étendue des inspirations possible ! 
    Jeanne

    CLARENDON

    En phase de recherche sur la typographie Clarendon, j’ai découvert le travail du graphiste Reid Miles et notamment sa pochette d’album « THE BIG BEAT » créée pour Art Blakey & the Jazz Messengers. 
    Je l’ai trouvée graphiquement intéressante et elle m’intriguait de par sa composition et ses couleurs.
    Reid Miles s’est beaucoup servi de la Clarendon pour ses pochettes d’album, en travaillant avec
    le studio Blue Note Records.
    Je m’en suis donc inspiré pour créer mon affiche !
    Au premier abord semblable à la mise en page de la pochette, c’est en s’approchant que l’on peut lire
    et découvrir les secrets de la Clarendon !
    Olivia